上月末，视觉创意科技公司Adobe发布了“2026 Creative Trends Report”（译：2026年创意趋势报告），通过综合内部调研、社区反馈及全球视觉文化观察，提出四大主导趋势。在人工智能深入渗透创意行业的背景下，报告重新强调“人”的主体性，聚焦情感真实、感官触达、文化回归与想象力释放等维度。
报告中的调研数据显示，95.2%的内容负责人认为视觉内容对企业传播至关重要，而内容需求正以当前的5至20倍的速度增长。创意部门不仅面临更高产出的要求，更需要在有限时间与预算下，同时服务多平台、多渠道，持续提供差异化的内容。
在Adobe创意专业产品营销副总裁Deepa Subramaniam看来，这是一场由“内容需求激增、资源减少和人工智能加速变革”叠加作用导致的现状，解决这个问题的答案并非简单地以人工智能替代人力。她强调，最具前瞻性的团队并不是一味地依赖智能工具，而是构建更具协同效率的系统，让人、创意与工具以更紧密的方式连接起来。
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正如苹果市场传播副总裁Tor Myhren在报告中所言：“AI是有史以来最令人兴奋的创意工具，但人性化的表达才是我们真正的超能力，也是品牌赢得长期忠诚度的路径。”在技术与人文并重的基调下，Adobe提出的四大趋势，展现了创意行业应如何在保持想象力核心的同时，构建更具共鸣、更易感知并富含文化内涵的视觉语言体系。
调动感官的多重体验
在注意力稀缺的当下，单一维度的图像已难以满足观众不断拔高的感官期待。报告中的第一个趋势“All the Feels”强调，未来视觉内容的核心价值在于沉浸，不仅要看得见，更要“感受”得到。
广告行业媒体The Drum研究显示，82%的全球消费者在接触新内容时，希望自己的感官能够被全面调动。Adobe消费者与创意洞察负责人Brenda Milis也指出，如今人们的生活高度依赖电子屏幕，这反而加剧了大众对真实感官体验的渴望。
这一结论也得到趋势研究机构WGSN的数据支持。其研究显示，68%的消费者期待品牌打造跳脱常规的创意体验，78%的消费者则表示，如果品牌能带来愉悦感，其购买意愿会显著提高。
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这意味着，图像需要具备触感的质地、动态的张力、声音的氛围，甚至唤起嗅觉与味觉的联想，让观众在视觉之外，感知更多层次的情绪与体验。由此形成的多感官叙事，让内容从被观看的画面转变为被经历的体验，也成为品牌在高密度传播环境中建立记忆点和差异化的重要方式。
以快餐品牌赛百味Subway为例，其在伦敦市中心投放了一块长约15米的“刮刮闻”广告牌，该装置以品牌新推出的鼠尾草洋葱馅面包为灵感，通过实验室调配分子香氛，并将其微胶囊化后覆于广告表面。路人经过时，不仅能看到放大的面包视觉，还能闻到接近真实烘焙的气味。
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Subway高级市场总监Kirstey Elston在接受媒体采访时表示，这次尝试正是希望把消费者记忆中新鲜出炉面包的味道带到日常通勤的路上，让节日气氛以更直观的方式被感知。通过视觉与嗅觉的叠加，把产品的“软、热、香”具象成可分享的体验，从而强化品牌的记忆点。
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以情绪为核心的连接
第二个趋势“Connectioneering”关注的是：在信息极度饱和的传播环境中，品牌如何以情绪与受众建立联系。Adobe将其概括为“能够触动情感、引发共鸣的影像”，核心在于捕捉人与人之间可被共享的情绪时刻，而不是堆叠符号化、标签化的品牌话术。
这一趋势的兴起，也与人工智能内容在情绪表达上的“同质化”有关。算法可以快速学习并复刻既有的情绪模板，但往往停留在表层的情绪模拟，缺乏真实体验所带来的复杂层次与微妙差异。正因如此，由人主导的情感叙事，反而在高度技术化的环境中变得更加稀缺。
2026倍耐力年历幕后花絮
图片来源：倍耐力
在Brenda Milis看来，用户真正渴望的，是那些让他们重新感知到人性中柔软与珍贵力量的情绪体验。Adobe引用的民调机构盖洛普研究显示，大约95%的消费者决策受到情感因素驱动。市场研究机构GreenBook的调查同样指出，70%的购买选择会同时受到多重情感需求的影响。
在这样的语境下，品牌影像的价值并不体现在转化率上，而在于能否激发跨越文化与背景的情绪共鸣。视觉创作需要从一开始就围绕“观众应感受到什么”展开，镜头、节奏、配乐与色彩共同营造情绪氛围，品牌标识与产品利益点则退居次位。当人们沉浸于熟悉的喜悦、感动或共情之中，而非意识到自己正在“被营销”，真正的触动才会发生。
2026年倍耐力年历的发布，正是这一趋势的代表性案例之一。由挪威摄影师兼导演Sølve Sundsbø掌镜的第52版年历，以“人类与自然的交融”为主题，将拍摄对象塑造成土、气、火、水等自然元素的象征化身，同时延伸到能量、光等更为无形的力量。与其说这些图像描绘的是自然，不如说它们传达的是与自然共生时人类最本真的情绪投射。
2026倍耐力年历
图片来源：倍耐力
Sølve Sundsbø表示：“摄影对我而言，就是要创造值得分享的瞬间。”年历拍摄中他大量采用了巨型LED背景墙技术，在影棚中重构真实自然场景，以控制光影和情绪氛围。在他的镜头语言中，风被重新定义为肌肤拂动的瞬间，水代表情绪的包裹与冲击，火光则暗示着人性中不可遏制的渴望与能量。这些元素并非简单符号化呈现，而是人物情绪的外化延伸。
Sølve Sundsbø回忆道：“创作初期，我们会问，‘风应该怎么呈现？’风是无形的，唯有通过物体的被吹拂才能显形。水是包覆，也是冲击。我不希望它们只是背景，而是成为人物身体与情感的一部分。”因此，倍耐力年历并未采用户外实景，而是在摄影棚内精准设计每一个元素与灯光条件，确保人物在其中既保持美感，也真实可感。
2026倍耐力年历拍摄幕后花絮
图片来源：倍耐力
这一创作过程，与Adobe趋势报告中的另一段话形成巧妙呼应：视觉内容不再只是输出产品的窗口，而是传递人与世界之间情感温度的媒介。在Sølve Sundsbø的镜头里，倍耐力年历超越了品牌纪念册的角色，更接近一种情绪纪录片的叙事。Sølve Sundsbø通过镜头理解世界，也邀请观众与他一起进入这个故事中。
2026倍耐力年历拍摄幕后花絮
图片来源：倍耐力
作为品牌文化资产的代表，倍耐力年历的价值并不止于一次传播事件，而在于如何借由视觉内容与消费者之间建立起更深层次、可持续的情感关系。这正体现了Adobe所提出的“以情绪为核心的内容策略”：在充满张力的图像语言中，唤起可共鸣、可触达的体验记忆，也使品牌情感得以延续与沉淀。
超现实主义设计
面对愈发同质化的内容环境，第三个趋势“Surreal Silliness”主张以夸张、荒诞乃至带有无厘头气质的图像语言，打破既定惯性思维，重新唤起观众的注意力。这种荒诞感并非单纯的视觉猎奇，而是一种对现实压力与信息焦虑的调节方式。
Adobe把这一趋势概括为“令人好奇的超现实主义设计”。其核心并不在于越怪越好，而是在逻辑被轻微打破的瞬间，制造新鲜与陌生感，使观众短暂跳脱现实叙事。青年文化媒体VICE的研究显示，全球68%的年轻人会主动寻找荒诞或趣味内容，以缓解现实带来的压力。
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这一趋势同样有着明确的商业指向。市场研究机构Kantar的数据显示，被消费者视为“好玩”“有趣”的品牌，在用户心智建设与需求培育上表现更为突出。以荒诞、夸张的方式展开叙事，不再只是风格上的点缀，而是逐渐成为打破疏离感的重要手段。尤其在Z世代人群中，过于严肃或高度包装的表达往往被视为刻意，而带有轻微反讽的创意形式，更容易触发情绪反馈。
值得强调的是，“Surreal Silliness”并不等同于无序或混乱。Adobe指出，其核心在于“有意识的失序”——以精心设计的怪诞制造认知错位，从而激发好奇心。当一切都显得可被预测时，出其不意本身便成为稀缺价值。
普拉达Prada今年在伦敦推出的“Prada Mode London”文化俱乐部项目，是奢侈品牌将超现实视角引入线下空间叙事的一次实践。与艺术家组合Elmgreen&Dragset合作的沉浸式装置“The Audience”，将修复后的伦敦市政厅改造成一座超现实主义电影院：空间内循环播放一段刻意模糊的影片，与此同时，观众席上则安置着真人等比例的观众雕塑，有的全神贯注，有的明显走神。
普拉达“The Audience”装置
图片来源：普拉达
真实参与的观众一边观看影像，一边又“观看”被设定好的虚拟观众，现实与虚构、真实与仿真、注意力与分散感之间形成复杂的张力，营造出轻微错位的荒诞效果。通过这种超现实表达，普拉达不仅回应了图像过载时代的注意力焦虑，也展示了品牌如何借助艺术手法，为商业传播注入审美与文化层面的意义。
普拉达“The Audience”装置
图片来源：普拉达
在本土语境中建立信任
在最后一个趋势“Local Flavors”中，Adobe将重点放在文化真实性之上。本地文化与传统工艺不再只是被提取为视觉符号或装饰性元素，而正在逐步成为品牌叙事的结构性支点。
这一趋势的形成与Z世代日益明显的“应用戒断”（appstinence）倾向密切相关。作为数字原住民，他们开始有意识地减少网络在线的时间，转而将注意力投向现实世界中的探索。相比在全球化、标准化的流量内容中进行旁观浏览，他们更希望在本地场景、地方文化和小型社群中获得真实的归属感。
Adobe的创意洞察团队指出，越来越多企业倾向使用真实反映区域文化与生活图景的影像素材，而非泛化的全球模板。当人们在品牌内容中看到熟悉的街区、语言或文化细节时，品牌不再只是抽象符号，而会被视为真实存在的一部分，从而更易建立信任。
路易威登中国山水旅行广告特辑
图片来源：路易威登
“Local Flavors”的关键不在讲述一个地方的故事，而在于“让地方自己发声”。Adobe强调，真正有效的本地化叙事，应该由在地社群主导完成，保留其语言表达、审美取向与生活节奏，而不是被外部视角重新翻译。这也意味着，从策划到执行，本土创作者需要处在核心位置，参与概念搭建、内容判断与最后呈现，使故事真正根植于当地语境之中。
轩尼诗2025年“Made for More”项目，便将视线聚焦于非洲大陆的文化创造力。该项目由格莱美奖得主Tems担纲主角，汇聚来自刚果、尼日利亚、南非等地的艺术家，以电影化手法呈现音乐、社群与创意碰撞的文化图景。短片中，Tems置身于由非洲传统游戏启发构建的空间——棋局、卡牌桌与街头音乐相互交织，构建出兼具在地性与表现力的视觉场景。
轩尼诗2025年“Made for More”项目
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轩尼诗全球首席营销官Vincent Montalescot表示，该项目意在展现品牌如何在不同文化之间自然流动，以及非洲创意人士如何通过音乐、风格与叙事重塑当代文化的理解。Tems也在采访中指出，这次合作于她而言不仅是一次品牌代言，更是一次对非洲文化活力的赞颂与见证。
轩尼诗2025年“Made for More”项目
图片来源：lbbonline.com
当创意行业迈向2026年，人工智能的加速发展并未削弱创作者的价值，反而打开了更广阔的实践空间。正如Adobe报告所强调的：“真正的突破，不止是技术，而在于人们如何运用它。”那些理解趋势、拥抱人文的品牌，将在新一轮创意竞争中获得更深层的连接与更持久的文化影响力。